Мой Пушкинский (30 серий) Авторская программа Натальи Поповой (Инга Монаенкова) [2012, Искусство, живопись, документальный, SATRip]

Ответить на тему
Статистика раздачи
Размер:  10.47 GB   |    Зарегистрирован:  3 года 7 месяцев   |    Скачан:  27 раз

Полного источника не было: 2 года 7 месяцев

   
 
Автор Сообщение

kiotox ®

Пол: Не указан

Стаж: 2 года 7 месяцев

Сообщений: 1411539

Создавать темы 21-Сен-2013 18:53

[Цитировать]

Мой Пушкинский (30 серий) Авторская программа Натальи Поповой
Год выпуска: 2012
Страна: Россия
Жанр: Искусство, живопись, документальный
Продолжительность: 30 х ~00:26:00
Перевод: Не требуется
Русские субтитры: нет
Режиссер: Инга Монаенкова

Описание: «Мой Пушкинский» - авторская программа Натальи Поповой представляет собой целый исследовательский искусствоведческий проект о собрании Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Свою трактовку произведений искусства представляют знаменитые писатели, политики, деятели культуры. «Мой Пушкинский» — это телеэкскурсии в музей, погружение в мир художника и знакомство с шедеврами мирового искусства.
Доп. информация: Раздача является продолжением сериала, который был выложен здесь: Список раздаваемого материала и краткое описание серий.
14. Тишайший из бунтарей Сислей (2012)
Сислей Альфред (1839-1899) - французский живописец, мастер пейзажа. По происхождению англичанин; в 1860-1863 годах учился в Париже в мастерской Ш.Глейра, испытал влияние Камиля Коро. Один из ведущих мастеров импрессионизма, Сислей писал непритязательные по мотивам пейзажи окрестностей Парижа, отмеченные тонким лиризмом и выдержанные в свежей и сдержанной световой гамме. Пейзажи Сислея, передающие подлинную атмосферу Иль-де-Франса, хранят в себе особую прозрачность и мягкость природных явлений всех времен года.
Чарующие изображения природы художника Альфреда Сислея с легким оттенком грусти завораживают удивительной передачей настроения в данный момент времени (“Берег Сены у Буживаля”, 1876, частное собрание). С середины 1880-х годов в творчестве Сислея нарастают черты красочного декоративизма.
Гость программы - главный редактор журнала "Юный художник" Виталий Ивашнев
15. Философский универсум Рейсдала (2012)
Рейсдал, Рёйсдал, Рейсдаль (Ruisdael, Ruysdael) Якоб ван (1628 или 1629-1682), голландский живописец и график. Учился, вероятно, у своего дяди, Саломона ван Рёйсдала, испытал влияние Яна ван Гойена, Херкюлеса Сегерса; работал в Харлеме, с 1656 года в Амстердаме.
Рёйсдал считается ведущим мастером пейзажной живописи Нидерландов. Ему удалось превратить ландшафтную живопись в зеркало человеческих эмоций. В его картинах даёт себя знать чуткая, напряжённо-страстная восприимчивость художника к жизни природы в её частных и общих проявлениях. Манера письма маленькими мазками характеризует разнообразие форм увиденного в пейзажном мотиве и вместе с тем эмоциональное их переживание, образное восприятие. Рёйсдал заставляет почувствовать каждый маленький мотив в сложном хоре образа природы, будь то дорога, бегущая вверх, или склонённое от сильного морского ветра дерево, растрёпанный куст или предвещающее грозу облако. Движение каждого мотива слагается в широкий, мощный процесс взаимосвязи и взаимодействия стихийных сил природы и всех её порождений на земле.
Гость программы - член Союза художников России Елена Афанасьева
16. Укромная обыденность де Хоха(2012)
Этот выпуск передачи «Мой Пушкинский» посвящен творчеству Питера де Хоха или де Хооха (нидерл. Pieter de Hooch, Hoogh или Hooghe; 20 декабря 1629, Роттердам — после 1684, Амстердам) — голландскому живописцу дельфтской школы, который, подобно своему современнику Вермееру, специализировался на изображении повседневных интерьеров и экспериментировал со светом. О жизни этого известнейшего мастера жанровой живописи, чьи творения бесценны, известно очень мало.
Семья будущего художника принадлежала к низам голландского общества. Как и все голландские живописцы, Питера де Хох должен был искать источник существования, поэтому молодой художник работал камердинером у богатого торговца сукном Юстуса де ла Гранжа, который со временем стал его покровителем.
Питер де Хох специализировался на изображении внутреннего убранства голландских купеческих домов и достиг величайшего мастерства в передаче игры солнечного света на своих полотнах, в воспроизведении и противопоставлении материалов — дерева, стекла, камня, ткани. С особой тщательностью Хоох изображал немногочисленных действующих лиц, поглощённых каким-либо незамысловатым занятием.
Художник, прославился тишиной и поэтичностью своих картин.
По тонкости письма и геометрической точности композиционного расчета его произведения имеют много общего с работами Вермеера, однако искусствоведы до сих пор не могут прийти к согласию, какой из художников подражал другому. Подобно работам Вермеера, жанровые сцены де Хоха лишены сентиментальности, хотя современники могли при желании видеть в них аллегории на темы кальвинистской морали: «это скромное достоинство, скромность и неприхотливость в быту, а в делах абсолютное благородство и бескорыстие».
До того, как было открыто искусство Яна Вермера, Питеру де Хоху отдавали первое место среди жанристов, мастеров интерьера… Один из лучших голландских художников XVII в. умер в сумасшедшем доме.
Гость программы – Альбе́рт Леони́дович Фило́зов (р. 25 июня 1937) — советский и российский актёр театра и кино, виртуоз жанровых ролей, режиссер, педагог ВГИКа, профессор Российской Академии Театрального Искусства, народный артист России (1994)
17. Наивная улыбка Руссо(2012)
Анри Руссо родился в семье рабочего. После службы в армии устроился на работу во французскую таможню (от этой основной профессии Руссо и произошло его прозвище). Карьеру художника Анри Руссо начал уже в зрелом возрасте, в сорок один год, не имея ни малейшего намека на образование в области живописи, но благодаря собственной воле и непоколебимой вере в свой талант, он стал одним из величайших художников своего времени...
Творчество Руссо вызывало восхищение Пабло Пикассо и его окружения. Уже при жизни его высоко ценили за колористическое богатство работ и оригинальные сюжеты (Руссо часто рисует экзотические джунгли, которых он никогда в жизни не видел), за необычное, непринужденное восприятие мира Руссо, абсолютно свободное от догм академического общения. Интенсивный цвет, твердо очерченные формы и тщательно исполненные детали характеризуют наивный стиль Руссо. Художник создает атмосферу праздника с легким оттенком наивности. Используя множество оттенков для передачи одной маленькой детали, он воссоздает на своих полотнах ощущение сновидения. В художественных кругах он был известен как романтичный чудак.
Руссо также обладал незаурядными музыкальными и литературными способностями. В 1886 году его награждают почетным дипломом Литературной и Музыкальной академии за сочиненный им вальс. В 1889 он пишет водевиль «Посещение Всемирной выставки», а в 1899 – драму «Месть русской сироты».
Творчество Руссо послужило импульсом к признанию эстетической ценности примитивизма , к использованию его выразительных средств многими профессиональными художниками ХХ века.
Гость программы – Алексе́й Ко́ртнев — российский поэт, сценарист, музыкант, автор-исполнитель, солист и лидер группы «Несчастный случай».
18. Посторонний Шарден (2012)
В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности. Уже в начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников. Достоинство этих картин — не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.
В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность и чёткость.
Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г. принял на себя должность её казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.
Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»
Гость программы – Лев Гео́ргиевич Прыгуно́в (23 апреля 1939, Алма-Ата, Казахская ССР) — Народный артист России, заслуженный артист РСФСР (1976), член Союза художников России, поэт. Он снялся в более чем 60-ти фильмах, многие из которых можно, без преувеличения, считать частью «золотого фонда» отечественного кинематографа. Среди них – «Трактир на Пятницкой», «Сердце Бонивура», «Битва за Москву», «Освобождение»… Кроме прочего Лев Георгиевич еще и прекрасный художник. Его картины трогают душу прозрачной чистотой и мудростью, глубокой лиричностью. С 1989 года Лев Георгиевич профессионально занимается живописью, он член Всемирной ассоциации художников. Его работы находятся в частных коллекциях в США, Англии, Франции. С большим успехом проходят его персональные выставки.
19. Паруса и вызовы Синьяка
Удостоверившись на практике, что звучание цвета усиливается, если краски не смешивать на палитре, а наносить их на холст мелкими мазками, П.Синьяк начинает писать раздельными точками чистого цвета и становится активным пропагандистом и теоретиком абсолютно нового художественного метода - дивизионизма, или пуантилизма.
Дивизионизм противопоставил беспорядочности и хаотичности мазков импрессионистов четкую систему вычисления и наложения точек, что делало работу художника очень сложной и трудоемкой, а способ письма строгим и сухим, но в тоже время привел к эффекту создания более интенсивных цветов, тонов и света в живописи.
Камиль Писсарро, на короткое время присоединившийся к неоимпрессионистам, называл их «научными импрессионистами», тем самым подчеркивая принципиальное различие между своими прежними товарищами («романтическими импрессионистами») и новыми молодыми соратниками.
В 1899 П. Синьяк опубликовал работу «От Эжена Делакруа до неоимпрессионизма», которая стала сводом правил художников нового направления.
Уже при жизни художник был признанным классиком.
Его называли выдающимся сыном Франции.
В 1911 году он был награждён Орденом Почётного легиона.
Гость программы – Заслуженная артистка России, лауреат премии имени К. С.
Станиславского и Приза Веры Холодной, одна из ведущих актрис «Табакерки» Евдокия Германова.
20. Белая ворона импрессионизма Дега
Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов, Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений. Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту. В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра, художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд.
Произведения Дега с их строго выверенной и одновременно динамичной, часто асимметричной композицией, точным гибким рисунком, неожиданными ракурсами, активным взаимодействием фигуры и пространства сочетают кажущиеся непредвзятость и случайность мотива и архитектоники картины с тщательной продуманностью и расчетом. Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стесненностью пространства, придающей им напряженно-драматически характер. С конца 1880-х годов Дега много занимался скульптурой, добиваясь выразительности в передаче мгновенного движения.
Гость программы – Гео́ргий Гео́ргиевич Тарато́ркин (р. 1945), советский и российский актёр театра и кино.
21. Пламя Гойи
В начале творческого пути Гойя с мастерством писал фрески в духе итальянского барокко, выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений.
Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке.
Характер его искусства резко меняется с началом 1790-х годов перед событиями Великой французской революции. Жизнеутверждение в творчестве Гойя сменяется глубокой неудовлетворённостью, праздничная звучность и утончённость светлых оттенков — резкими столкновениями тёмного и светлого, увлечение Тьеполо — освоением традиций Веласкеса, Эль Греко, а позже Рембрандта.
В его живописи всё чаще царят трагизм и мрак, поглощающий фигуры, графика становится резкой. Близость с испанскими просветителями (Г. М. Ховельяносом-и-Рамиресом, М. Х. Кинтаной) обостряет неприязнь Гойя к феодально-клерикальной Испании “старого порядка”. Уродство ее моральных, духовных и политических основ Гойя раскрывает в гротескно-трагической форме: пишет знаменитейшую серию офортов “Капричос” (80 листов с комментариями художника, 1797–1798). Среди известных произведений того времени и «Сон разума рождает чудовищ». Смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры.
В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло и портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества, мужественное противостояние и вызов окружающему, аромат тайны и скрытой чувственности.
Художник – патриот не мог обойти тему страданий своего народа. Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”, обе –около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810–1820).
В начале 1790-х годов тяжелая болезнь привела художника к глухоте. Чрезвычайно трудные для него годы, совпавшие с периодом жестокой реакции, он провел в своем загородном доме “Кинто дель Сордо” (“Дом глухого”), стены которого расписал маслом. В созданных здесь сценах (ныне в Прадо, Мадрид), невиданно смелых для своего времени, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени и освободительной энергии юности. Еще сложнее система мрачных гротескных образов в серии офортов “Диспаратес”. Но и в самых мрачных видениях Гойи жестокая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, вечного обновления жизни.
Искусство Гойи повлияло на формирование многих художественных явлений 19 века. Его воздействие ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье, Эдуард Мане. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается вплоть до современности.
Гость программы – Любо́вь Ю́рьевна Казарно́вская (р. 1956) — российская оперная певица (сопрано), Лауреат международных конкурсов, доктор музыкальных наук, профессор.
Званий и регалий не перечесть. Список покоренных сцен и громких имен маэстро, которые с ней работали, может занять не одну страницу.
“La Kazarnovskaya” - как ее называет итальянская пресса – имеет в своем репертуаре более пятидесяти партий и огромный репертуар камерной музыки.
“Мисс тысяча вольт” - именно так в оперном мире называют Любовь Казарновскую за ее глубокий, мощный и вместе с тем невероятно чувственный голос. Ее называют лучшей Саломеей наших дней, лучшей исполнительницей опер Верди и веристов, не говоря уже о Татьяне из “Евгения Онегина” – ее визитной карточке.
В 1997 году учредила «Фонд Любови Казарновской» для поддержки российской оперы. Возглавляла Российское музыкальное просветительское общество, комиссию по культурному сотрудничеству муниципальных образований России и другие общественные организации.
22. Машина времени Беллотто
Беллотто Бернардо, по прозвищу Каналетто (Canaletto), итальянский живописец, рисовальщик, гравер и офортист венецианской школы. Племянник и ученик Антонио Каналетто, от которого и унаследовал прозвище. Мастер ведуты – документально точного архитектурного пейзажа. В 1747–1768 годах Беллотто работал в Дрездене, Вене, Мюнхене, Петербурге, затем – в Варшаве; писал серебристые по колориту, несколько сухие по рисунку виды этих городов.
Как и Антонио Канале, с помощью камеры-обскуры Беллотто передает характер изображаемой местности с топографической точностью. Но венецианская декоративная красочность картин Антонио Канале сменяется у Беллотто более педантичным, описательным воспроизведением действительности. Плотная, пастозная манера письма придает материальность объемам зданий, древесных крон, фигур людей. Большие картины-панно Беллотто свидетельствуют о стремлении художника к максимальной объективности, при которой, однако, утрачивается очарование легкой кисти и праздничности цвета, присущее пейзажам-ведутам Антонио Канале.
Беллотто с изумительной зрительной достоверностью передавал твердую штукатурку, кирпичную кладку зданий и живую игру солнечного света на стенах городских строений. Стиль Беллотто очень похож на стиль его дяди живописца Антонио Каналетто, и действительно, иногда он подписывал свои работы именем Каналетто, что порождало много недоразумений. Однако произведения Беллотто более холодные и жесткие, и он проявляет больше интереса к облакам, теням и листве. Кроме того на полотнах Беллотто больше фигурных групп (нередко с беспечно прогуливающимися парами и детьми), чем у Каналетто.
Гость программы – И́вар Эдмунд Ка́лныньш (латыш. Ivars Edmunds Kalniņš) — советский и латвийский актёр театра и кино.
24. Руки Микеланджело
В искусстве Микеланджело с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи.
Главные черты творчества скульптора - монументальность и пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, благоговение перед человеческой красотой.
Глубиной мысли и высоким трагизмом отмечена и лирика Микеланджело. В его мадригалах и сонетах любовь трактуется как извечное стремление человека к красоте и гармонии, сетования на одиночество художника во враждебном мире соседствуют с горькими разочарованиями гуманиста перед лицом торжествующего насилия.
Стихотворения Микеланджело в переводе А.М.Эфроса:
Стихотворение Микеланджело написано в ответ на строки Джованни Строцци по поводу скульптуры «Ночь» (La Notte, Tomba di Giuliano, Cappella dei Medici) в гробнице Медичи.
Текст стихотворения Строцци:
la Notte che tu vedi in sì dolci atti
dormir, fu da un Angelo scolpita
in questo sasso e, perché dorme, ha vita:
destala, se nol credi, e parleratti
Забывшись сном, Ночь предалась покою;
Уснула, как живое существо.
Из камня Ангел создал естество.
Не веришь, тронь – заговорит с тобою.
Ты Ночь здесь видишь в сладостном покое:
Из камня Ангелом изваяна она,
И если спит, то жизнию полна:
Лишь разбуди, – заговорит с тобою!
25. Неправильный Боттичелли (2011)
Глубоко религиозный человек, Боттичелли работал во всех крупных храмах Флоренции и в Сикстинской капелле Ватикана, однако в истории искусства остался в первую очередь как автор крупноформатных поэтичных полотен на сюжеты, вдохновлённые классической античностью, — «Весна» и «Рождение Венеры».
Долгое время Боттичелли находился в тени работавших после него гигантов Возрождения, пока не был в середине XIX века переоткрыт британскими прерафаэлитами, которые почитали хрупкую линеарность и весеннюю свежесть его зрелых полотен за знаменательную точку в развитии мирового искусства.
«Боттичелли еще в блистательную эпоху Медичи разработает свой собственный идеал красоты. Прототипом послужит реальная женщина – Симонетта, супруга Марка Веспуччи (чей брат Америго впоследствии даст свое имя Америке). Это её отрешенными, чуть удлиненными в разрезе глазами смотрят на нас ангелы и Мадонны Боттичелли. Это её грациозность и надломленно мудрая печаль ушедшей туда, откуда не возвращаются, кутает в таинственный муар его Весну. Это она в 1485-ом – через 9 лет после смерти – вновь рождается из пенных брызг, из солнечного кружева в образе вечно юной и целомудренно прекрасной Боттичеллиевской Венеры».
Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти (Chiesa di Ognissanti) во Флоренции. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи.
Гость программы – Альбрехт Федор Борисович - ученый, педагог, лингвист, полиглот, профессор, декан филологического факультета Православного Свято-Тихоновского гуманитарного университета.
26. Доля Милле (2012)
Художник обратился к изображению повседневной крестьянской жизни, наделяя образы сельских тружеников, изображенных обычно на фоне пейзажа, достоинством и внутренним величием (“Сборщицы колосьев”, 1857, “Анжелюс”, 1859, “Человек с мотыгой”, 1863, - все в Лувре, Париж). Высокие нравственные критерии, симпатия и соучастие, простота и поэзия правды определяют существо творчества Милле. Произведениям Милле свойственны торжественная лаконичность монументальной композиции, богатый валёрами землистый колорит. (Валёр - тональный нюанс, тонкое различие одного и того же цвета)
Реакция на появление картины Милле «Сборщицы колосьев», 1857г в лощеной атмосфере парижского салона: «Удалите маленьких детей, - нервничала газета «Фигоро» - Вот проходят «Сборщицы» г-на Милле. Позади них на мрачном горизонте вырисовываются лики народных восстаний и окровавленный эшафот».
«Крестьян изображали только в двух ипостасях – либо умиление до слёз, либо дистанцированная ирония. Милле же посмел возвысить образы невежественных детей земли до национальных героев и уровня библейских персонажей.»
Франсуа Милле в литературе:
Марк Твен в рассказе «Жив он или умер?» описал историю о том, как группа художников, устав от нищеты, решила разрекламировать, а затем инсценировать смерть одного из них, чтобы поднять цены на его картины. Художники руководствовались высказыванием о том, что денег, потраченных на похороны и эпитафии мастеров, умерших от голодной смерти, с лихвой хватило бы им на безбедную жизнь. Выбор пал на Франсуа Милле. Написав несколько картин и несколько мешков набросков, он «после тяжелой и продолжительной болезни умер». Примечательно, что в рассказе Франсуа Милле сам нес «свой» гроб. Цена на картины сразу подскочила и художники смогли добиться своей цели - получить за свои произведения реальную цену при жизни.
Алекс Тарн в рассказе "Анжелюс" показывает, как одна картина может изменить мир человека, его отношение к себе, к жизни, к другим людям. "И весь мир освещается этим светом, и все вокруг вдруг обретает какой-то пронзительный смысл, дальний, как этот колокольный звон, очень важный, но невыразимый словами. И они видят, что жизнь – это не только нескончаемое картофельное поле, не только осенняя грязь на деревянных башмаках, не только мозоли на руках и на сердце… это ещё и свет, и чудная свежесть вечера, и смысл, и радость, и любовь, и счастье…"
Гость программы – Влади́мир Усти́нович Литви́нов (род. 15 марта 1951, Ленинград) — советский и российский актёр театра и кино. Заслуженный артист России (2007)
27. Голоса земли Писсарро (2012)
Писсарро в многочисленных сельских пейзажах раскрывал поэзию и очарование природы Франции, с помощью мягкой живописной гаммы, тонкой передачи состояния световоздушной среды придавал обаяние свежести самым непритязательным мотивам, часто обращался к городскому пейзажу.
К. Писсарро, вместе с О. Ренуаром и К. Моне, стал одним из первых художников-поэтов современного города. Они показали, что красоту следует искать не только среди античных развалин, но и в кипении сегодняшней жизни. Город, от которого, как от чудовища, бежали художники-классицисты, для них стал частью любимой Франции.
Почти все парижские пейзажи К. Писсарро (как и К. Моне) написаны с "верхней точки". Они забирались со своими холстами как можно выше.
Летом 1870 года разразилась франко-прусская война, которая разметала друзей-импрессионистов в разные стороны. Французская армия терпела одно поражение за другим. Камилл Писсарро, который жил в Лувесьенне, неподалеку от Парижа, вынужден был, оставив все свои картины, поспешно уехать. В его доме победители устроили мясную лавку и использовали картины К. Писсарро как подстилки, вытирая об них ноги. Из пятисот холстов уцелело всего около сорока, плоды напряженного 17-летнего труда погибли.
Камилла Писсарро называли "патриархом импрессионизма", хотя его имя среди тех имен, с которыми связано понятие "французский импрессионизм", редко называют первым.
Это был удивительный человек, редкостный, и даже такие удары судьбы, как потеря картин в Лувесьенне, не сломили его. Среди товарищей Камилл Писсарро оставался самым стойким и убежденным, он один не падал духом, когда другие отчаивались, и у него нашлось мужество, чтобы не искать и не добиваться официального признания и успеха. Даже когда он сам испытывал отчаяние, то и тогда оставался примером и поддержкой для друзей.
Камилл Писсарро был, как пишет М. Герман, "образцом для художников действительно одаренных и проницательных". Именно ему был обязан своим художественным воспитанием начинающий свой путь в искусстве Поль Гоген. Сами импрессионисты видели в К. Писсарро не просто большого художника, но еще и абсолютно честного и справедливого до самоотречения человека.
«Счастлив тот, кто может разглядеть красоту в обычных вещах, там, где другие ничего не видят! Все – прекрасно, достаточно лишь уметь присмотреться.» (К. Писсарро)
Гость программы – Леони́д Миха́йлович Роша́ль — советский и российский педиатр и хирург, доктор медицинских наук, профессор, общественный деятель.
28. Страна Ватто (2012)
Жан Антуа́н Ватто́, более известный как Антуан Ватто (фр. Jean Antoine Watteau, 10 октября 1684, Валансьен — 18 июля 1721, Ножан-сюр-Марн) — французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо.
Ватто принадлежит к числу известнейших художников в мировой истории искусства. Благодаря усилиям братьев Гонкур, Бодлера и Верлена, он занял место сначала в коллекции Уоллес, затем в Лувре (в 1869 году там находилось 8 его картин) и, наконец, в истории искусств.
Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни, Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелый период творчества Антуан Ватто разрабатывает новый тип сюжетов – театральные сцены и “галантные празднества”, в которых за галантной игрой постоянно повторяющихся персонажей, под маской актера кроется бесконечное разнообразие оттенков поэтического чувства, целый мир тончайших душевных состояний, нередко окрашенных иронией и горечью, порожденной столкновением мира мечты с реальностью. Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Антуана Ватто подчеркивается пейзажем, окрашенным тонким лирическим чувством, изящной выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов и как бы вибрирующих мазков.
Ватто предпочитал маленькие картины, но он был и мастером декоративного искусства, сам делал орнаментальное панно для интерьеров особняков, расписывал дверцы карет, клавесины и веера, что оказало влияние на архитектурный декор рококо.
И декоративные работы, и крупные полотна — «Паломничество на остров Киферу» (1718), и прославленную «Вывеску Жерсена» (1720) отличают типичные для Ватто черты: изумительная живопись, трепетная и нежная; тончайшая гамма мимолетных настроений; виртуозное композиционное мастерство — мастерство режиссёра, внезапно остановившего превосходно продуманное театральное действие в самый важный момент драматического развития взаимоотношений и характеров персонажей.
Однажды Андре Моруа вспоминал в одном из своих эссе, как Бруно Вальтер, дирижировавший в Италии «Похищение из Сераля» Моцарта, объяснял оркестрантам: «Нужно, чтобы это звучало весело, так весело, чтобы всем захотелось плакать». Это словно о Ватто, который первым сделал достоянием большого искусства бесхитростную истину, что можно благоговеть, смеясь; радоваться, печалясь; наслаждаясь, грустить. Неявный смех сквозь слезы…
Гость программы - Ири́на Ива́новна Алфёрова — советская и российская актриса театра и кино, народная артистка России.
29. Свобода Курбе (2012)
Жан Дезире́ Гюста́в Курбе́ (фр. Gustave Courbet; 10 июня 1819, Орнан — 31 декабря 1877, Ла Тур-де-Пей, Во, Швейцария) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма.
Пройдя недолгий этап близости к романтизму (“Влюбленные в деревне”, 1844, Музей изящных искусств, Лион), художник Гюстав Курбе полемически противопоставил ему (как, впрочем, и академическому классицизму) искусство живописи нового типа - “позитивное”, утверждающее жизненно-материальную значимость мира и отрицающее художественную ценность того, что нельзя воплотить в ощутимо-предметных образах.
Отказавшись от литературных сюжетов в пользу реального мира, окружавшего художника, Курбе оказал серьезное влияние на Эдуарда Мане и импрессионистов. Говорят, что когда его попросили дописать в картине, предназначенной для церкви, фигуры ангелов, он ответил: "Я никогда не видел ангелов. Покажите мне ангела, и я напишу его".
Идеалом Курбе было не буржуазное благополучие, в которое он с легкостью мог позволить себе погрузиться, но высокие гражданские смыслы всеобщего равенства и братства. В них Курбе верил истово, ради них мог идти на любые жертвы. И даже отклонил высшую награду Франции - Орден Почётного легиона. «Честь не заключается ни в знаке отличия, ни в ленте, но в поступках и в мотивах этих поступков. Уважение к самому себе и к своим взглядам играет здесь важнейшую роль. Я уважаю себя, пока остаюсь верным принципам всей моей жизни; если б я отрекся от них, я потерял бы честь... Я променял бы честь на знак, а я всегда жил свободным. И, когда я умру, обо мне придется сказать: «Этот никогда не принадлежал ни к какому режиму, если это не был режим свободы» Г. Курбэ, 1870.
Гость программы – Евге́ний Вита́льевич Миро́нов (род. 1966) — советский и российский актёр театра и кино, народный артист России.
30. Жизнь глазами Аверкампа (2012)
Аверкамп Хендрик (Avercamp Hendrick по прозвищу “Немой из Кампена”, “De Stomme van Campen”) (1585–1634), голландский живописец эпохи барокко.
Среди излюбленных мотивов Аверкампа — изображение зимних пейзажей. Художник достиг высокого мастерства в передаче голубовато-серебристой поверхности застывших каналов, влажной и морозной атмосферы воздуха. Хендрик Аверкамп создал множество зимних пейзажей и жанровых сцен. Картины, написанные художником Аверкампом, очень занимательны, пестры и оживлённы, и пользовались большой популярностью в бюргерской среде и среди простых горожан.
Гость программы – Садков Вадим Анатольевич. Профессор Высшей школы реставрации Российского государственного гуманитарного университета.
31. Счастливчик Робер (2012)
Юбер Робер (фр. Hubert Robert, 22 мая 1733, Париж — 15 апреля 1808, там же) — французский пейзажист, получивший европейскую известность габаритными холстами с романтизированными изображениями античных руин в окружении идеализированной природы.
Его прозвищем было «Робер развалин» (Robert des Ruines). Современники обласкали его громкими титулами: «Король руинистов», «поэт развалин», «живописец древних камней». Говорили, что только его волшебная, замечательная, талантливая кисть словно смогла извлечь новые голоса из этих древних камней, и эти голоса пробились через толщу столетий. Любопытно, что чуть ли не одна из первых их расслышала Россия. Расслышала, восхитилась и завалила Робера заказами.
Робер обладал редким качеством: он умел спрессовывать века, а мотив уходящего времени у Робера никогда не сопряжен с тяжелым чувством утраты. Нет даже лёгкого намека о бренности всего сущего, мол, коль умирают камни, что же остается людям… Напротив, с холстов Робера буквально рвется безудержное ликование от самого факта живого дыхания этих камней. И в каждой травинке, в каждом хрупком деревце, которым хватило наглости, стойкости и упорства пробить свой собственный путь через слой древних монолитов, этот созидательный Робер счастливо прозревал новую прекрасную жизнь.
Робер принимал участие в реконструкции парка в Версале и получил звание Королевского рисовальщика, с 1784 года назначен хранителем Лувра.
Фильм расскажет о судьбе, о творческом пути и наследии французского художника Юбера Робера, который , по мнению современников, «родился с серебряной ложкой во рту».
Интересно, что «Маэстро красочного миража» (как называл его А.Бенуа) имел обыкновение оставлять на полотнах свои фирменные метки. В каждой картине среди надписей на стене руины, на памятнике, каменном обломке, даже на клейме коровы можно найти имя: «Hubert Robert», «H. Robert» или инициалы «H.R.». На некоторых картинах среди изображённых людей художник оставлял свой автопортрет (седовласый мужчина средних лет).
«Робер принадлежит к величайшим техникам-поэтам и к самым пленительным из чародеев-живописцев. Одно исследование поверхности его картин доставляет радость и веселье — так все ловко enleve, так все просто, верно и бойко налажено. Очень часто его огромные стенные панно кажутся увеличенными каприччио Гварди. Но и любование его «колоритом» принадлежит к высшим наслаждениям. Он один из величайших симфонистов, один из подлинных «сынов гармонии». Волшебно и вкрадчиво поют розовые тона его облаков на вечернем небе, золотом и серебром отливают его деревья, освежающей влагой вуалируют дали водометы, бесчисленные серые, зеленые и коричневые оттенки плесени складываются на камнях его руин в благородные аккорды. И на фоне всей этой сдержанной, но отнюдь не скучной красочной ткани звенят и смеются яркие, веселые удары на костюмах фигур, дающих массам истинные их размеры, а всему настроению от картин — оттенок игривой беспечности1. Беспечность эта и есть настоящая душа Юбера Робера, этого аристократа среди аристократов, сумевшего и в темнице, в двух шагах от гильотины, сохранить полное благодушие, ясность взглядов, творческий пыл и щедрую доброту.» (Александр Николаевич Бенуа «История искусств»)
Гость программы – Галина Леонидовна Петрова — советская и российская актриса театра и кино.
32. Восставший Мане (2013)
Эдуа́рд Мане́ (фр. Édouard Manet [edwaʁ manɛ]; 23 января 1832, Париж — 30 апреля 1883, Париж) — французский живописец, гравёр, один из родоначальников импрессионизма.
В работах конца 1850-х - начала 1860-х годов, составивших галерею остро переданных человеческих типов и характеров, Мане сочетал жизненную достоверность образа с романтизацией внешнего облика модели.
Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их актуальным содержанием, полемически, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение современного человека (“Завтрак на траве”, “Олимпия” - оба 1863, Музей д'Орсэ).
Своим творчеством Эдуар Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма. В конце 1860-х годов Мане сблизился с Эдгаром Дега, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи (“В лодке”, 1874, Метрополитен-музей; “В кабачке папаши Латюиль”, 1879).
Многим произведениям Мане свойственны импрессионистические живописная свобода и фрагментарность композиции, светонасыщенная красочная вибрирующая гамма (“Аржантёй”, Музей изящных искусств, Турне). В то же время Мане сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире - в одной из последних картин Мане “Бар в Фоли-Бержер”, 1881-1882, Институт Кортолда, Лондон). Картина эта - подлинная фантасмагория света и цвета. Здесь кисть Мане передает текучий блеск хрусталя, нежное свечение цветов и кружев, тяжелое рдение плодов, утонченные сочетания лилово-черного, оранжевого, розового, , желтого, серебристо-сиреневого - а отражения и отблески в зеркале придают всему феерический характер. Но в центре всего - пленительный образ девушки, в котором Мане, как всегда, заставляет нас ощутить проникновенную загадочную глубину человеческой личности. С помощью зеркального отражения (прием, по всей вероятности, заимствованный из "Менин" Веласкеса) художник раздваивает свой образ - вводит его в текущую мимо жизнь и ставит над временем. В этой двойственности, неповторимом сочетании мгновенного и вечного, и заключалась одна из главных особенностей всего искусства Мане.
Гость программы – Наталья Белохвостикова — советская и российская киноактриса. Народная артистка РСФСР. Лауреат двух Государственных премий СССР.
33. Печать Донателло (2012)
Величайшим даром Донателло было умение вдохнуть человеческие чувства в классические изваяния. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.
Донателло считается одним из создателей ренессансного стиля. Он был любимым художником знаменитого покровителя искусств Козимо Медичи-старшего. До Микеланджело Донателло оставался крупнейшим флорентийским скульптором и, возможно, самым смелым и влиятельным художником Ренессанса.
Гость программы – Александр Владимирович Цигаль (род. 21 июня 1948 года, Москва, СССР) — российский скульптор, действительный член Российской Академии художеств.
34. Математика Бёклина (2013)
Арно́льд Бёклин (нем. Arnold Böcklin; 16 октября 1827, Базель, Швейцария — 16 января 1901, Сан-Доменико-ди-Фьезоле, Италия) — швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века.
«Картина должна о чем-то повествовать, побуждать зрителя к размышлениям, подобно поэзии, и производить впечатление, подобно музыкальной пьесе» — эти слова известного швейцарского художника-символиста Арнольда Бёклина стали лейтмотивом его творчества.
Швейцарец А. Бёклин, один из самых популярных живописцев эпохи символизма.
Его невозможно упрекнуть в слащавости. Художник драматичный, мрачный, он использовал классические сюжеты, наполняя их совершенно оригинальным, жёстким и скептичным видением человека и тонким проникновением в мистическую величавость природных стихий.
Картины Бёклина завораживают неординарным, не на потребу публике, но совершенно индивидуальным взглядом на широко используемые, избитые сюжеты.
Бёклина интересовала не живопись как таковая, не борьба цветовых пятен, но идеология, мир образов и легенд, которому импрессионисты пытались противостоять, воспевая повседневность – завтрак на траве, девичью улыбку, купание на Сене. Бёклина же влекло то, что за травой скрывалось: паны и кентавры, то, чем улыбка оборачивалась, – ведь нимфа опасна. Его море - это мощные тёмные волны, в которых плещутся нереиды и тритоны, совершенно далёкие от наших представлениях о них. Это животно-плотские игрища, лишённые Рубенсовского обаяния. Его кентавры в битве страшны, скорее быки, жеребцы , чем люди, сметающие и громящие друг друга. Так что становится понятна эта быстрая и массовая отстраненность от художника, случившаяся вскоре после его смерти: возможности интерпретации были исчерпаны довольно быстро, новое время предпочло новые образы.
Если сопоставлять с символизмом прошлого века в литературе, живописи (Врубель или Борисов-Мусатов), то совершенно иная насыщенность цветом и плотностью.
Природа Бёклина одухотворена, наполнена мистическим присутствием стихиалий. Самая знаменитая его картина - "Остров мёртвых" поражала воображение современников величавым таинственным образом места перехода в иной мир. Известно около шести её авторских повторений, каждый вариант - новый. Символизм этой картины породил массу откликов в творчестве нач. 20в.
«ОСТРОВ МЕРТВЫХ»
Нацистским идеологам оказалась близка эта энергетика мифов, которой пропитано бёклиновское творчество, и многие поклонники “немецкого духа” пытались извлечь из старинных повествований, изложенных на холсте, квинтэссенцию новой идеологии. Бёклина вообще слишком часто называют немецким художником, что не сразу увязывается в сознании с образом швейцарца, скончавшегося в Италии. Но в его случае о патриотизме нет и речи – скорее, о космополитизме, той последней стадии погруженности в культуру, растворения в ней, что отменяет национальное как жесткую границу и болезнетворную гордыню.
Гость программы - Александр Журбин. (род. 7 августа 1945, Ташкент) — российский композитор, заслуженный деятель искусств РФ, член Союза композиторов.
35. Последнее совершенство Энгра (2013)
Жан Огю́ст Домини́к Энгр (фр. Jean Auguste Dominique Ingres; 1780—1867) — французский художник, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.
Энгр вошёл в историю французской живописи прежде всего как великолепный портретист. Одним из первых Энгр сумел почувствовать и передать не только своеобразный облик многих людей того времени, но и черты их характеров - эгоистический расчет, черствость, прозаизм личности у одних, и доброту и одухотворенность у других. Его портреты – это портрет эпохи.
Произведения Энгра отмечены классической стройностью композиции, тонким чувством цвета, гармоничностью ясного, светлого колорита, но главную роль в его творчестве играл гибкий, пластически выразительный линейный рисунок.
«Чем проще линии и формы, – говорил Энгр, – тем больше красоты и силы. Всякий раз, как вы расчленяете формы, вы их ослабляете… Изучая натуру, обращайте внимание прежде всего на целое. Спрашивайте его и только его. Детали – это важничающая мелюзга, которую следует урезонить».
Чеканная форма, безупречный рисунок, красота силуэтов определяют стиль портретов Энгра. Меткость наблюдения позволяет художнику передать манеру держаться и специфический жест каждого человека. Сам Энгр не считал портретный жанр достойным настоящего художника, хотя именно в области портрета создал самые значительные свои произведения. С тщательным наблюдением натуры и восхищением ее совершенными формами, художник в своих женских образах стремился воплотить идеал «вечной красоты».
Если для Энгра обращение к античности заключало прежде всего преклонение перед идеальным совершенством силы и чистотой образов высокой греческой классики, то считавшие себя его последователями многочисленные представители официального искусства наводнили Салоны (выставочные залы) «одалисками» и «фрипами», используя античность лишь как предлог для изображения обнаженного женского тела.
Гость программы - Светлана Немоляева (род. 18 апреля 1937, Москва) — советская и российская актриса театра и кино, народная артистка РСФСР (1980)
36. Прецедент Эль-Греко (2013)
Эль Гре́ко (исп. El Greco буквально «Грек», настоящее имя Доме́никос Теотоко́пулос, греч. Δομήνικος Θεοτοκόπουλος; 1541—1614) — испанский художник. По происхождению — грек, уроженец острова Крит.
Эль Греко не имел последователей-современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти.
«Живописная стихия Эль Греко, его владение рефлексами, его поразительное колористическое мастерство поистине не имеют себе подобных. Что особенно поражает зрителя в этом колоссальном холсте? Серьезность и подлинность происходящего. Не мистерия с бутафорскими эффектами, не оперная роскошь, не византийская застылость, не тяжелая легкость барокко. Человечность и достоинство. Редкая тактичность и величайшее чувство меры вопреки абсолютно раскованному полету фантазии. И вот, казалось, эти несовместимые понятия дают ошеломляющий результат — реальность чуда!»
Продолжение
«Тайна очарования полотен Эль Греко не только в их гениальном исполнении. Основное, не покидающее Доменико качество — неистребимое высочайшее духовное наполнение каждого холста. Вера в изображаемое передается художником зрителю, который начинает невольно воспринимать сказания за быль. Внутренний трепет, наполнявший душу художника, невзирая на отделящие нас века, магнетически действует на зрителя…
Я не раз пытался найти зрительный синоним мятущемуся небу, летящим рваным фантастическим облакам, тому колдовскому свечению, которым обладают полотна Эль Греко. И однажды я встретил ночью в степи огромный костер, который зажгли пастухи… Что-то древнее и глубоко чарующее было в этой пляске огня, то выхватывающей из мрака клочки натуры, то вздымающейся в небо языками пламени, затейливо изгибающимися и принимающими самые прихотливые формы. Было что-то манящее в густом гудении костра, как бы зовущего принять участие в опасной игре. Мерцающий воздух был накален, дрожал от страшного напряжения. Вот, подумал я, если вдруг всю эту огнедышащую картину перевести в регистр холодных, почти лунных тонов, то мы увидим мятущееся небо Эль Греко с его волшебной формы облаками и непередаваемыми по неожиданности контрастами цветов…
Нечеловеческое прозрение отличает творения Эль Греко. Художник создал небывалый сонм образов. В его полотнах — свое, им однажды найденное и почувствованное. В этой таинственной атмосфере действуют и живут герои Эль Греко — люди со странно удлиненными пропорциями, одухотворенные, строгие. Особое, «свое» солнце, иногда похожее на луну, озаряет этот удивительный эльгрековский мир. Лучи светила тревожны и трепетны, художник не создает сверкающих контрастов или феерических эффектов, свет будто обволакивает форму, поразительно остро и обнаженно обозначая основные массы. Греко уникален. Его холсты можно узнать за сто шагов…
… Мечутся складки одежд страстно вздымающихся к небу фигур. Вьются под вьюгой вдохновения летящие облака, в разрывах которых плавают ангелы, пророки. Пылают огни факелов, трепещущие от дуновения ветра. Озарены дивным светом истомленные тоской по счастью прозрения лики героев старинных легенд. Весь страшный своей незнакомой красотой мир проецируется на обыкновенное полотно. Эти мгновения чудес остановлены навек рукой мастера.
«Встреча Марии с Елизаветой», «Сцена из Апокалипсиса», «Обручение Марии» — это картины, рассказать о которых нельзя. Их надо видеть. Так невероятно свежи и бесконечно современны приемы Эль Греко. Так животрепещущи эти странные и чарующие образы, словно сотканные из поэтических ассоциаций. Они будто говорят: мы живем в атмосфере чуда, дышим воздухом сновидений и готовы поверить всему сказанному этим великим чаровником кисти Доменико Теотокопули. Лишенные какой-либо навязчивой сюжетики, созданные на высоком чистом дыхании свободного от сиюминутности духа, эти полотна полны поэзии и высочайшей маэстрии.
Ни один мастер не создал ничего более духовно тревожного, обобщенного и в то же время загадочно простого и мудрого, чем эти поздние холсты — прозрения Эль Греко. Он раздвинул ряд самых великих художников мира и встал между ними.
Доменико Теотокопули подобен Шекспиру, Гёте, Бетховену, Толстому… Он возвысил род человеческий силой своего гения, светлого разума, подвигом своей жизни.»
Игорь Долгополов «МАСТЕРА и ШЕДЕВРЫ» Том I.
Гость программы - Владимир Наумов (род. 6 декабря 1927, Ленинград) — советский, российский кинорежиссёр, сценарист, актёр, продюсер, педагог. Народный артист СССР.
37. Священный покой Сурбарана (2013)
Франси́ско де Сурбара́н (исп. Francisco de Zurbarán) — испанский художник, представитель севильской школы живописи, сыграл важную роль в развитии испанского реализма.
Действующие лица на его картинах обычно написаны с натуры и часто отличаются портретностью.
Героическая «Святая Касильда» (начало 1640-х годов, Мадрид, Музей Тиссен-Борнемиса), по легенде, дочь мавританского правителя в Толедо, в сущности, исполненная строгой грации гордая знатная дама; она изображена в нарядном платье из дорогих тканей, с корзиной цветов в руках.
Властное смуглое лицо с решительным суровым взглядом заставляет вспомнить о ее подвиге — тайной помощи пленным христианам. Согласно легенде чудо спасает ее от кары отца, приверженца ислама,— хлеб внезапно превращается в роскошные цветы. Образ Касильды типичен для Испании 15 века: несмотря на домостроевский уклад, росло самосознание женщины, появлялись среди женщин ученые, политики, конкистадоры. Рождались образы, овеянные романтикой. Звучные, сильные темно-зеленые, палевые и лиловые тона одежды, блеск шелка, жемчуга, воздушность фона безукоризненно переданы художником-колористом.
Художник не любил больших городов, и даже Севилья казалась ему слишком шумной. Он предпочитал работать в окрестных монастырях.
Сурбаран писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов убедительно рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных ритмах и композициях, в монументальных формах. Персонажи Сурбарана наделены душевным благородством, способностью к сильным чувствам. Они исполнены благочестия, но их религиозность не исступленная, как у Эль Греко, глубокий драматизм скрыт за внешней сдержанностью. В картинах Сурбарана неизменно царит спокойствие, благочестие и порядок.
Гость программы – Владимир Иванович Федосе́ев — российский дирижёр. Народный артист СССР.
38. Врачующая сила Веронезе (2013)
Па́оло Вероне́зе (1528 (Верона, Италия) - 19 апреля 1588 (Сан Анжело, Италия), при рождении Па́оло Калья́ри — один из виднейших живописцев венецианской школы, прозванный Веронезе по месту рождения.
Веронезе, наряду с Тицианом и Тинторетто, является самым ярким представителем венецианской школы живописи XVI века. Он родился в Вероне и, став признанным мастером, взял себе псевдоним от названия родного города. В Венеции же к нему пришла настоящая слава : именно там его искусство достигло зрелости и исключительной силы выражения. Город дожей стал местом, где художник создал свои лучшие работы, до сих пор вызывающие восхищение у почитателей искусства.
В своих изображениях евангельских сцен с участвующим на них Христом (Брак в Кане Галилейской, Христос у Симона Фарисея; Христос у Симона; Христос в Еммаусе) Веронезе своеобразно соединил библейское с современным: в помещениях, украшенных в венецианском вкусе XVI века, с архитектурными задними планами в стиле Возрождения, пируют, в венецианских же костюмах, современники художника. В этих произведениях оживает перед нашими глазами все великолепие пиров тогдашнего времени; мы видим ту жажду удовольствий и ту любовь к роскоши и нарядам, которыми отличались старинные венецианцы, его персонажи исполнены горделивого достоинства. Картины Веронезе наполнены жизнерадостностью, весельем.
Легкость отношения к духовным сюжетам однажды навлекла на художника преследование инквизиции: он был обвинен в 1573 году её судом, но сумел оправдаться и был принужден только исправить и исключить некоторые фигуры в одной из своих картин.
Творчество Паоло Веронезе завершает искусство эпохи позднего Возрождения.
Уникальные колористические решения Веронезе наследовали целые поколения европейских художников - от его современников до импрессионистов XIX века, а характерный для палитры мастера сине-зелёный цвет вошёл в терминологию живописи как "зелёный Веронезе".
Французский поэт, теоретик искусства Шарль Бодлер (1821-1867) считал, что существует связь между сущностью цвета, той степенью его воздействия на зрителя и характером самого художника: «Яркость и насыщенность цвет приобретает по воле художника, которая зависит от его натуры. Вы никогда не замечали, что цвета, как и люди, бывают весёлые и печальные, шаловливые и угрюмые, банальные и оригинальные? Цвета Веронезе благородны и жизнерадостны».
Творчество Веронезе станет источником вдохновения для многих известных художников. Уже в XVII веке ван Дейк (1599-1641), во время пребывания в Венеции, создаст несколько десятков копий работ итальянского мастера. В картинах Веронезе фламандский художник ценил прежде всего «сочетание жизнерадостности с глубокой чувственностью».
В 1850 году Делакруа заявил : "Своим искусством я обязан Веронезе!".
Поль Сезанн (1839-1906), в свою очередь, выразил восхищение талантом Веронезе и признался, что лично ему «манера этого мастера импонирует гораздо больше тициановской». Французский импрессионист особо отмечал «поразительное чувство цвета Веронезе, которое, очевидно, было ниспослано Богом, но развито самим мастером в результате неустанного труда и стремления к совершенству».
Гость программы - Ни́кас Сафро́нов (р. 1956) — советский и российский художник.
39. Мудрость Мурильо (2013)
Бартоломе́ Эсте́бан Мури́льо (исп. Bartolomé Esteban Murillo; род. в конце декабря 1617, крещён 1 января 1618, Севилья — 3 апреля 1682, там же) — ведущий испанский живописец «золотого века», глава севильской школы.
Им были написаны различные варианты Мадонн. Замечательно то, что Матерь Божья у Мурильо — всегда прекрасная андалузка, смуглая девушка с красивыми, миндалевидными глазами. Он мастерски сумел передать на этих полотнах и глубокое счастье материнства, и неувядающую красоту севильских женщин. Недаром Мурильо получил прозвище — «художник Мадонн».
Мурильо чаcто обращался к детским образам. Художник изображал нищих детей, наводнивших севильские улицы, — загорелых оборванцев, веселых и прекрасных, несмотря на бедность.
«Художник умел быть точным в деталях, подробностях быта, трезвым в оценке своих персонажей и добрым в отношении к ним. Сам колорит жанров Мурильо, сдержанный, построенный на коричневато-серой гамме, удивительно мягкий и теплый, кажется, он согрет жаром живой души художника. В трогательные и нежные образы нищих и девочек-цветочниц Мурильо вложил всю свою любовь к людям своего города, гордость за их достоинство и красоту…
Популярность в Севилье Мурильо была необычайно высока. В погоне за произведениями художника «гонялись» и богатые и бедняки, которые готовы были отдать последние деньги за картину художника. Он редко им отказывал, денег от бедняков никогда не брал: Мурильо сам был уже богат...
Любопытно, что единственным близким другом Мурильо был дон Мигель де Маньяр, в прошлом – распутник и убийца, послуживший прообразом для знаменитой легенды о Дон Жуане. Когда Мурильо познакомился с ним, этот человек глубоко раскаялся и все силы и средства употреблял на благотворительность. В делах братства Милосердия, основанного доном Мигелем, Мурильо в старости принимал близкое участие и написал для него несколько великолепных картин. Они были в числе его самых последних произведений» (Д. К. Самин)
Гость программы – Наталья Аринбасарова — советская и российская актриса театра и кино казахского и польского происхождения.
40. Пиршества Снейдерса (2013)
Франс Снейдерс (Frans Snyders; 11 ноября 1579, Антверпен — 19 августа 1657, Антверпен) — фламандский живописец, мастер натюрмортов и анималистических композиций в стиле барокко.
«Во Фландрии не было второго, равного ему по силе живописца, который бы также глубоко постиг основы рубенсовского мировоззреения и который бы столь же удачно, сохранив всю страстность рубенсовского жизнеутверждения, распространил творческие принципы гениального фламандца на область натюрморта» (Ю.Кузнецов).
Не случайно Франса Снейдерса называют Рубенсом натюрморта.
«Кладовые» «кухни», и «лавки» Снайдерса - это гимн во славу земного плодородия и богатства. От сказочного изобилия этих полотен захватывает дух. Кажется, что в них художник стремился уместить все многообразие животного и растительного мира.
Снейдерс заботился о едином эффекте цвета, фактуры и настроения.
Снейдерс изображал редкие, порой экзотические, но невыдуманнные породы морских обитателей. Он оставался верен природе, точен в передаче мельчайших деталей и в изображениях фруктoв, овощей, дичи.
Его талант и щедрый живописный стиль высоко ценили современники, в том числе Якоб Иорданс и его близкий друг Питер Пауль Рубенс, с которым Снейдерс сотрудничал, исполняя в его картинах натюрморты и фрагменты с изображением животных в сценах яростных охотничьих схваток.
Блеск и мастерство в передаче многообразия живой природы, страстность в воспевании земной щедрости, жизнерадостность, красочное мироощущение и подлиннный размах ставят работы Франса Снейдерса в один ряд с лучшими произведениями выдающихся фламандских живописцев.
Гость программы - Валерий Гаркалин — советский и российский актёр театра и кино.
41. Узник собственного гения Ван Гог (2011)
Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог (нидерл. Vincent Willem van Gogh; 30 марта 1853, Грот-Зюндерт, около Бреды, Нидерланды — 29 июля 1890, Овер-сюр-Уаз, Франция) — всемирно известный нидерландский художник-постимпрессионист.
"Жизнь без любви я считаю греховным и безнравственным состоянием." Ван Гог.
"Любопытно все-таки, до чего плохо в материальном отношении живется всем художникам - поэтам, музыкантам, живописцам, даже самым удачливым... Все это поднимает вечный вопрос: вся ли человеческая жизнь открыта нам? А вдруг нам известна лишь та ее половина, которая заканчивается смертью."
Здоровье в последние годы жизни художника ухудшалось, и в итоге он оказался в клинике для душевнобольных в Арле (врачи поставили диагноз «эпилепсия височных долей»), затем в Сен-Реми-де-Прованс (1889—1890), где познакомился с доктором Гаше (художником-любителем), и в Овер-сюр-Уаз, где он предпринял попытку покончить жизнь самоубийством 27 июля 1890 года. Выйдя на прогулку с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета в область сердца (купил его для отпугивания птичьих стай во время работы на пленэре), а затем самостоятельно добрался до лечебницы, где, спустя 29 часов после ранения, скончался от потери крови (в 1:30 ночи 29 июля 1890 года). В октябре 2011 года появилась альтернативная версия смерти художника. Американские историки-искусствоведы Стивен Найфех и Грегори Уайт Смит выдвинули предположение, что Ван Гог был подстрелен одним из подростков, которые регулярно составляли ему компанию в питейных заведениях.
Винсент Ван Гог был похоронен в Овер-сюр-Уаз. Ему было 37 лет. Через 25 лет (в 1914 году) рядом с его могилой были захоронены останки его брата Тео.
Ван Гог всегда мечтал о небольшой – в пределах нескольких тысяч франков – сумме, которая дала бы ему возможность спокойно работать. Но за всю свою жизнь он продал только одну работу - «Красные виноградники» - за 400 франков. Через двадцать лет после его смерти «Пейзаж в Овере» и «Красные виноградники» были куплены известным русским собирателем И.А. Морозовым за 33 тысячи золотых рублей. Небольшой части этих денег было бы достаточно, чтобы на многие годы продлить жизнь и творчество Ван Гога – одного из крупнейших художников XIX века.
Сейчас работы Ван Гога, являются одними из первых в списке самых дорогих картин, когда-либо проданных в мире, согласно оценкам с аукционов и частных продаж. Картина Ван Гога «Портрет доктора Гаше» была продана на аукционе «Christie's» 15 мая 1990 года за рекордную сумму в 82,5 млн долларов, «Портрет почтальона Джозефа Рулина» - свыше 110 млн. долларов плюс обмен картинами, «Ирисы» - 11 ноября 1987 года на аукционе Sotheby´s за рекордную по тем временам сумму – за 53,9 млн. долларов. "Подсолнухи" - 1987 году была продана японской страховой компании "Ясуда (YASUDA)" почти за сорок миллионов долларов. Картина «Пшеничное поле с кипарисами» была продана в 1993 году за 57 млн долларов, невероятно высокую цену в то время, а его «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой» был продан в частном порядке в конце 1990-х годов, по оценкам цена продажи составила 80—90 миллионов долларов.
По словам брата Тео (Theo), который был при Винсенте в его смертные минуты, последними словами художника были: La tristesse durera toujours («Печаль будет длиться вечно»).
"Винсент искал свой путь как, возможно, никто из нас: в одиночестве, упорно и вдохновенно, не отступая, не заботясь о мнении окружающих, не думая о славе, признании и даже о собственном благополучии. Поэтому я не могу не высказать своего благоволения перед ним. Не принадлежит ли он к тому бессмертному и благородному племени, представителей которого необразованные люди зовут безумными, а более просвещенные - святыми?". Фредерик Ван Эйден.
Гость программы - Владимир Васильев - (р. 18 апреля 1940, Москва, СССР) — советский и российский артист балета, балетмейстер, хореограф, театральный режиссёр и актёр, педагог.
42. Дороги Хиросигэ (2013)
Утагава Хиросигэ (歌川広重; 1797—1858) — японский художник-график, крупнейший представитель направления укиё-э, мастер цветной ксилографии. Один из самых известных и почитаемых мастеров японской живописи и гравюры. Автор не менее чем 5400 гравюр. Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ (安藤広重).
Хиросиге создал новый для японского искусства тип камерного пейзажа, наполненного глубокими лирическими чувствами и ощущениями. Его роль в этом подобна роли Левитана в развитии русского национального пейзажа.
В своих произведениях Хиросигэ виртуозно передавал зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя (серии «53 станции Токайдо», 1833-1834; «36 видов Фудзи» 1854-1858), лунные ночи. Много работ Хиросигэ посвятил птицам и цветам (серия «Ласточки и камелии в снегу», ок.1830). Отличительными чертами его произведений являются лаконизм и острота рисунка, красота и выразительность силуэтов, богатство тональностей одного цвета. Отталкиваясь от реальных мотивов конкретного проявления природы, он всегда стремился к созданию высоко-декоративного произведения. В естественной красоте окружающего его мира он выделяет отдельные детали, контрастное сопоставление которых приводит к особому живописному эффекту - мягкость пушистого снега и графическая острота сосновых иголок, ясно различимый контур исчезающих в туманной дымке предметов...
Хиросигэ оказал большое влияние не только на всю последующую японскую живопись, но и на европейское искусство. Очарован им был и русский художник Иван Билибин, известный главным образом своими иллюстрациями к русским народным сказкам, былинам и сказкам А. С. Пушкина...
Большими почитателями Хиросиге были знаменитые импрессионисты Ван Гог, Гоген, Дега, Сезанн, Моне. Во время своего пребывания в Париже Винсент ван Гог стал заядлым коллекционером работ в стиле укиё-э, приобретя вместе с братом несколько сотен гравюр. Их коллекция включала и произведения из цикла «53 станции Токайдо», такие элементы стиля которой, как яркие цвета, натуралистичные детали и необычная перспектива, Ван Гог использовал в своём творчестве. В одном из своих писем он говорил, что «все его произведения основаны на японском искусстве», и называл импрессионистов «французскими японцами»
Гость программы Андре́й Вади́мович Макаре́вич (11 декабря 1953, Москва) — советский и российский музыкант, певец, поэт, композитор, художник, продюсер, телеведущий.
43. Нищий скупец Перуджино (2013)
Перуджино Пьетро (Perugino Pietro) (около 1450-1523) - знаменитый итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.
Перуджино работал в разных областях Италии, а особенно в Умбрии; пожалуй, более всего он известен как учитель Рафаэля, чьи ранние произведения столь близки манере этого мастера. Молодой Рафаэль работал в мастерской Перуджино на рубеже 15-16 веков (после 1494). Впрочем, вполне возможно, что последний был не столько непосредственным учеником Перуджино, сколько его подражателем (в ранние годы) и продолжателем.
Умбрийская школа живописи отличалась декоративностью, изысканным изяществом формы. Под влиянием Флоренции умбрийские мастера большое внимание уделяли изображению человеческого тела и передаче глубины пространства и изображения пейзажа. Перуджино также прекрасно владел искусством монументальной живописи, был мастером четкой, гармоничной в своей ритмике композиции.
Ясная уравновешенность пространственных построений, гармоничность, мягкая грациозность, поэтически-созерцательная тональность произведений Перуджино оказали значительное воздействие на его ученика Рафаэля. Грациозные удлиненные фигуры с головой, мягко склоненной на плечо, и несколько сентиментальным выражением лица - характерная черта манеры Перуджино.
Рафаэль, великий ученик Перуджино, создал один из самых известных образов Богоматери в истории европейской жи­вописи — «Сикстинскую Мадонну». Но это произведение Рафаэля, не было связано с традицией живописи его учителя. Все Мадонны Перуджино отличает величие, совмещенное с отстранен­ностью от мира людей. Даже в «интимных» композициях, где Дева Мария изображена не на троне и не в окружении святых, а лишь с Младенцем на руках, художник не счита­л нужным изменить свой стиль.
Бернсон (американский историк искусств и художественный критик, при жизни считавшийся крупнейшим в США авторитетом в области живописи итальянского Ренессанса) писал: «Перуджино добивается религиозного эффекта своей про­странственной композицией. От его фигур мы требуем лишь, чтобы они не нарушали этого чувства, и если мы вос­принимаем их так, как они задуманы, то есть как конструк­тивные элементы в пространственной композиции, то они никогда не мешают этим переживаниям. Фигуры Пе­руджино играют, скорее, роль колонн, поддерживающих своды, и мы не должны обращать внимание на стереотип­ные позы и выражение, так как от этих фигур и не нужно требовать никакого драматического разнообразия».
Перуджино не был мастером передачи движения. Его святые никогда не идут по земле, они как бы парят над ней. Художник также избегал преувеличен­ной эмоциональности. Даже картины на сюжеты «Распятия» и «Положения во гроб» холодны и спокойны. Но, в сочетании с высоким небом, далеким, прозрачным го­ризонтом и строгой архитектурой подобные сдержанные эмоции выглядят весьма убедительно. «Как долж­ны были успокаивать, - пишет Бернсон, - такие картины после шума, суматохи и кровопролитий в Перудже, самом кровавом городе Италии! Можно ли удивляться тому, что мужчины, женщины и дети бежали смотреть на эти картины? Да и теперь жизнь достаточно заполнена корыстными стремлениями и бессмысленными ссорами, чтобы мы мог­ли себе отказывать в таком бальзаме для души, какой дает нам Перуджино. Пространственный эффект играл такую большую роль в его композициях, что трудно сказать, в чем еще заключаются их достоинства».
В 1490-е годы Перуджино брался за кисть только в исключительных случаях — когда за заказ предлагали очень высокую оплату, или когда он был чрезвычайно почетен. Но и в таких ситуациях художник позволял себе определенные «вольности». Например, он долго не соглашался на уговоры властей города Орвьето закончить фрески, начатые еще Фра Беато Анджелико. В конце концов, он принял предложение, запросив баснословную цену, и даже получил аванс. Однако, к работе так и не приступил. В течение нескольких лет власти Орвьето безрезультатно пытались добиться выполнения художником условий договора. О тяжелом и скверном характере Перуджино говорили многие современники. Пока мастер находился «в лучах славы», ему прощали недостатки, но когда после 1500 года он стал выходить во Флоренции «из моды», ему припомнили и завистливость, и жадность. Испытав нужду в юности, в зрелые годы Перуджино придавал слишком большое значение деньгам и никому не доверял, а потому имел обыкновение все ценное носить с собой. Зная об этом, однажды, его подстерегли на дороге между Перуджей и Кастелло, где он выполнял ответственную работу, и отобрали все, едва не убив.
В 1491 он принял участие в жюри конкурсной комиссии по рассмотрению проектов украшения фасада собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции, в 1504 входил в комиссию художников, которой было поручено выбрать место для установки статуи Микеланджело Давид.
В историю Перуджино вошел как главный наставник юного Рафаэля, завещавший ему свои творческие принципы, которые имели и вполне самоценное значение, пролагая путь «ренессансному классицизму».
Ее кудрей руно златое
В таком свету, какой один,
Изображая неземное,
Сводил на землю Перуджин. (А.Фет)
Гость программы - Ангелина Михайловна Вовк. Народная артистка России, популярная диктор центрального телевидения СССР в 1980-х годах, любимая ведущая программ «Будильник», «Спокойной ночи, малыши!», «Голубой огонёк»...
44. Свет Лоррена (2013)
Клод Лорре́н (фр. Claude Lorrain; настоящая фамилия — Желле или Желе (Gellée, Gelée); 1600, Шамань, близ Миркура, Лотарингия — 23 ноября 1682, Рим) — французский живописец и гравёр, один из величайших мастеров классического пейзажа. Он родился в Лотарингии (Lorraine), отсюда укоренившееся в итальянской богемной среде прозвище Лоррен.
Его талантом восхищались римские папы и кардиналы, аристократы и дипломаты, короли и богатейшие купцы. В картинах Лоррена библейские, мифологические или пасторальные сюжетные мотивы полностью подчинены изображению прекрасной, величественной природы. Для него природа являлась образцом возвышенного, совершенного мироздания, в котором царят покой и ясная соразмерность.
«Ни один холст Лоррена не обходится без солнца. Именно Солнце есть суть концепции неповторимых пейзаажей Лоррена, чья ведущая тема – Свет, с помощью которого Лоррен и в прямом, и в переносном смыслах вывел пейзаж из тени.»
С большим мастерством художник изображал игру солнечных лучей в различные часы дня, свежесть утра, полуденный зной, меланхолическое мерцание сумерек, прохладные тени теплых ночей, блеск спокойных или слегка колышущихся вод, прозрачность чистого воздуха и даль, застилаемую лёгким туманом. В его творчестве можно различать две манеры: картины, относящиеся к ранней поре его деятельности, писаны сильно, густо, в теплых тонах; позднейшие — более плавно, в холодноватом тоне.
Лоррен прежде всего лирик. В его произведениях более непосредственно выражено живое чувство природы, оттенок личного переживания. В пейзажах много света, воздуха, простора, безмятежного покоя. Их особая привлекательность — в ощущении влекущего к себе пространства, в том, что от затененного переднего плана центр картины словно распахивается в глубину, в прозрачную даль. Источник света, помещенный у горизонта, озаряет прозрачное высветленное небо, и свет как бы льется из глубины. По преданию, Лоррен не любил писать фигуры в библейских и мифологических сценах на первом плане и поручал их выполнение другим живописцам. Фигуры, которыми обыкновенно оживлены его пейзажи, принадлежат, в основном, не его кисти, а его друзей — Ф. Лаури, Я. Миля, Фр. Аллегри и Н. Колонбеля. Несомненно, что ему принадлежал общий замысел этих изображений, благодаря которому природа и люди находились в определенной образной взаимосвязи, а фигуры не превращались в простой стаффаж. В поздних работах Лоррен сам пишет фигуры. Он их помещает в воображаемые строения; тематически — это вольные интерпретации римских поэтов, особенно Овидия и Вергилия.
В работах Лоррена всегда важен свет. Он — первый, кто исследовал проблему солнечного освещения, утреннего и вечернего; первый, кто серьёзно заинтересовался атмосферой, её светонасыщенностью. Его работы оказали влияние на развитие европейского пейзажа, в частности, на Уильяма Тёрнера (нач. XIX века).
«К 65 году уже не было никакой надежды приобрести работы Лоррена, поскольку все они оказались расписаны на много лет вперед.» Это строки из письма Антонио Руффо, римского агента, известного сицилийского коллекционера, для которого работал и сам Рембрандт.
Картины Лоррена имеются почти во всех крупных галереях Европы. Особенно много их в общественных и частных коллекциях Англии, Лувре, палаццо Дориа в Риме, мюнхенской пинакотеке, Дрезденская галерее. В Эрмитаже (Санкт-Петербург) находится 12 картин, в том числе «Четыре времени года», едва ли не самые замечательные из всех произведений художника.
Гете писал о французском живописце Клоде Лоррене: «…нет и следа повседневной реальности в его картинах, но есть высшая правда».
Гость программы Его́р Кончало́вский (настоящее имя — Гео́ргий Андре́евич Михалко́в) — российский режиссёр, актёр, сценарист и продюсер.
Релиз:
Благодарность за предоставление исходного материала: NoRG
За релиз: медикус, Марфа12, rtynfdh
За постер: Verba96

Сэмпл: http://multi-up.com/905539
качество: SATRip
формат: AVI
Видео: 720x544 (704х528)(1.32:1), 25 fps, XviD build 64 ~1710 kbps avg, 0.17 bit/pixel
Аудио: 48 kHz, MPEG Layer 3, 2 ch, ~128.00 kbps avg

Список выпусков/серий

14. Тишайший из бунтарей Сислей (2012)
15. Философский универсум Рейсдала (2012)
16. Укромная обыденность де Хоха
17. Наивная улыбка Руссо
18. Посторонний Шарден (2012)
19. Паруса и вызовы Синьяка
20. Белая ворона импрессионизма Дега
21. Пламя Гойи
22. Машина времени Беллотто
24. Руки Микеланджело
25. Неправильный Боттичелли (2011)
26. Доля Милле (2012)
27. Голоса земли Писсарро (2012)
28. Страна Ватто (2012)
29. Свобода Курбе (2012)
30. Жизнь глазами Аверкампа (2012)
31. Счастливчик Робер (2012)
32. Восставший Мане (2013)
33. Печать Донателло (2012)
34. Математика Бёклина (2013)
35. Последнее совершенство Энгра (2013)
36. Прецедент Эль-Греко (2013)
37. Священный покой Сурбарана (2013)
38. Врачующая сила Веронезе (2013)
39. Мудрость Мурильо (2013)
40. Пиршества Снейдерса (2013)
41. Узник собственного гения Ван Гог (2011)
42. Дороги Хиросигэ (2013)
43. Нищий скупец Перуджино (2013)
44. Свет Лоррена (2013)

MediaInfo

Формат : AVI
Формат/Информация : Audio Video Interleave
Размер файла : 405 Мбайт
Продолжительность : 25 м.
Общий поток : 2176 Кбит/сек
Библиотека кодирования : VirtualDub build 30091/release
Видео
Идентификатор : 0
Формат : MPEG-4 Visual
Профиль формата : Advanced Simple@L5
Параметр BVOP формата : 2
Параметр QPel формата : Нет
Параметр GMC формата : Без точки перехода
Параметр матрицы формата : Default (MPEG)
Режим смешивания : Сжатый битовый поток
Идентификатор кодека : XVID
Идентификатор кодека/Подсказка : XviD
Продолжительность : 25 м.
Битрейт : 2039 Кбит/сек
Ширина : 704 пикселя
Высота : 528 пикселей
Соотношение сторон : 4:3
Частота кадров : 25,000 кадров/сек
Цветовое пространство : YUV
Субдискретизация насыщенности : 4:2:0
Битовая глубина : 8 бит
Тип развёртки : Прогрессивная
Метод сжатия : С потерями
Бит/(Пиксели*Кадры) : 0.219
Размер потока : 379 Мбайт (94%)
Библиотека кодирования : XviD 64
Аудио
Идентификатор : 1
Формат : MPEG Audio
Версия формата : Version 1
Профиль формата : Layer 3
Режим : Joint stereo
Расширение режима : MS Stereo
Идентификатор кодека : 55
Идентификатор кодека/Подсказка : MP3
Продолжительность : 25 м.
Вид битрейта : Постоянный
Битрейт : 128 Кбит/сек
Каналы : 2 канала
Частота : 48,0 КГц
Метод сжатия : С потерями
Размер потока : 23,8 Мбайт (6%)
Выравнивание : Разделение по промежуткам
Продолжительность промежутка : 40 мс. (1,00 видеокадр)
Время предзагрузки промежутка : 500 мс.
[torrentux.pl].t4687910.torrent 
Торрент: Зарегистрирован   [ 2013-05-24 21:53 ]
Скачать
Статус: проверено
Скачан: 27 раз
Размер: 10.47 GB
 
[Профиль] [ЛС]
Быстрый ответ

Имя:

         ?
Для отправки сообщений необходимо включить JavaScript
Показать сообщения:    
Ответить на тему

Текущее время: 18-Янв 04:47

Часовой пояс: UTC + 3



Вы можете начинать темы
Вы можете отвечать на сообщения
Вы можете редактировать свои сообщения
Вы не можете удалять свои сообщения
Вы не можете голосовать в опросах
Вы можете прикреплять файлы к сообщениям
Вы можете скачивать файлы
Яндекс.Метрика